TEORÍA GESTALT

TEORÍA GESTALT

Nace de los estudios de Marx     Wertheimer junto a otros estudiosos alemanes como Wolfganf Kohler y Kort Koffka, los tres se enfocaron en el estudio de los relativos fenómenos perceptivos, el estudio de percepción de las formas que son infinitas. Los autores mencionan que nuestras experiencias perceptivas surgen como un conjunto se sensaciones, significados y configuraciones organizadas. 

Estos estudiosos dentro de un laboratorio experimentaron observando como el cerebro humano organiza por si solo las percepciones como totalidades. El cerebro hace la mejor organización posible de los elementos que percibe. Luego la mirada y la percepción ya no es de un momento sino de toda una totalidad a día se conforma de disciplinas como la comunicación, arquitectura, diseño, sociología.

El conjunto figura-fondo constituye una totalidad. Esto significa que no existe figura sin un fondo que la sustente (aunque el fondo justamente esté constituido por un espacio vacío, ese vacío es un soporte de la figura pues existe percepción del mismo. Según el lugar donde posemos la atención pueden emerger diferentes figuras de lo que antes era el fondo

En ocasiones el conjunto está compuesto por estímulos de igual intensidad como es el caso de los perfiles y el cáliz que vemos a la izquierda, y en ocasiones los campos difusos e inestructurados o cambiantes dificultan la posibilidad de aislar y percibir una figura clara y nítida es decir de diferenciar figura de fondo. Cuando menos clara es la figura, mayor viene a ser la cantidad de contenidos inconscientes que son proyectados a fin de reorganizarla  a partir de nuestra propia experiencia. Cada uno tiene una tendencia a la búsqueda de buenas formas en lo que percibe, y completamos con la imaginación aquello que falta

Teoría de la Gestalt. Término alemán, que significa forma, totalidad, configuración  de cualquier cosa está compuesta de una figura y un fondo. También significa relaciones entre elementos, la unión de estos que hacen que surja una propiedad que demuestra que “el todo más que la suma de sus partes”

Los Gestalistas proponen la idea de ISOMORFISMO (iso-morfos),que pretende captar la idea de mantener la misma estructura. Propone que no exista relación entre estímulos mentales sobre imágenes pero si que la experiencia pertenezca a la forma del patrón de estímulo.

 La teoría de Gestalt trata de agrupar ideas, imágenes, formas, colores para juntos poder llegar a un mensaje u objetivo deseado. Trata acerca de cómo el ser humano es capaz de percibir imágenes, palabras, representaciones y formas por separado y como todo una unidad también que conforman un determinado mensaje y significado y lo que nos ayuda a identificar la imagen son los elementos cotidianos que se nos hacen fáciles de identificar.

La teoría Gestalt nos explica o más bien nos refleja en sus representaciones los distintos sentidos y significados que una imagen puede tener dependiendo de la percepción y perspectiva de cada uno, empezando desde los monos que siendo animales saben cómo tomarse su tiempo para reorganizar elementos tras una profunda reflexión a partir de una experiencia, tal como los seres humanos.

Esta teoría comparte la idea que como parte del aprendizaje está primero pasar por la etapa de la ignorancia y luego pasar al conocimiento y dentro de este lapso de tiempo se mezclan y unen nuestra realidad y la realidad, nuestras percepciones y la percepción de algo que es igual para todos o por lo menos similar, todo se divide entre lo individual como tal y lo colectivo en sí.

PRINCIPIOS

El punto de partida de tratamiento Gestalt del aprendizaje es la premisa de que las leyes de la organización en la percepción son aplicables al aprendizaje y a la memoria. Lo que se almacena en la memoria son huellas de cuentos perceptuales, y como las leyes organizaciones rigen la estructura de las percepciones, también determinan la estructura de la información que se establece en la memoria. Por esto la teoría Gestalt recae también en un juego de ilusiones ópticas de por si juegan con sus formas, direcciones, figuras y fondos, todo para brindar una percepción de pocos o cientos de elementos.

El fenómeno descrito, la percepción, también involucra a todos los aspectos de la experiencia.  Es así como algunas situaciones que nos preocupan y se ubican en el momento actual en la forma de una figura y cuando el problema una necesidad que la hizo surgir a la imagen, desaparecen, en situaciones poco significativas, pasando entonces al fondo. 

Esto ocurre especialmente cuando se logra "cerrar" o concluir una Gestalt; entonces ésta se mueve y se retira de nuestra atención y se va hacia el fondo, y de dicho fondo surge una nueva Gestalt motivada por alguna nueva necesidad. Este ciclo de abrir y cerrar Gestalts es un proceso permanente, que se produce a lo largo de toda nuestra existencia, vivencias, experiencias, fantasías y realidades.

El Enfoque Gestáltico percibe a los objetos, y en especial a los seres vivos, como totalidades. Todo existe y adquiere un significado al interior de un contexto específico, nada existe por sí solo. Debemos recordar que los psicólogos de la Gestalt se interesaban fundamentalmente en la percepción y en los procesos de resolución de problemas que se viven dentro de un mundo intimo y dentro del mundo objetivo donde todos los seres humanos nos desenvolvemos y captamos.

RELACIONES FIGURA-FONDO.

La figura es el centro o punto clave dentro de una imagen en la cual se enfoca la atención, esta resalta y es sobresaliente que el fondo. El espectador que percibe puede organizarlos de cierta manera, de la manera en que lo perciba e interpreta, no hay leyes poder cambiar el significado original y verlos de otra. Sin contraste no hay percepción, su el fondo es blanco y escribo con tinta blanca no podre percibir la figura. En el terreno de lo psíquico esta ley de la percepción se utiliza para hacer comparaciones entre diferentes situaciones y contextos.

LEY DE AGRUPACIÓN

 Es la manera común en la que nuestro cerebro trabaja en la forma en que nos relacionamos entre unos elementos y otros, nuestra visión acerca de ellos, nuestra clasificación, significado y  orden  que les damos.

LEY DE LA PROXIMIDAD

Los elementos de un campo tienden a agruparse de acuerdo con su cercanía o proximidad. Cuanto más cerca se encuentren dos elementos, mayores probabilidades tienen de agruparse. Cuando las partes o los elementos de una totalidad reciben un mismo estímulo, los elementos están cercanamente agrupados con una distancia mínima de separación entre sí. Por esto no podemos captar todo lo que abarca una imagen por igual y acostumbramos a centrarnos primero en lo que está más cerca y luego aprender a verlo a todo como un solo conjunto en su totalidad.

LEY DE LA SIMILITUD

La ley de la similitud agrupa a los elementos similares en lo que respecta a alguna característica en especial como la forma, el color, la textura. Todos estos tendrán que agruparse por una razón de proximidad para no anular precisamente este efecto.

Vendría a ser la relación y conexión entre cosas que son parecidas, porque la mayoría de veces tienden a ser percibidas como toda una unidad y sirve para que el mensaje llegue lo más claro posible. Es hacer perteneciente a un algo con su otro algo similar o muy parecido.

LEY DE LA BUENA CONTINUACIÓN

Elementos que conforman una imagen o un recuadro deben estar acomodados en líneas rectas y curvas, todo siguiendo un orden y coherencia. Elementos que son compuestos por partes  para que cada una de estas pueda ir guiando y dirigiendo la mirada del espectador automáticamente por la existencia de un seguimiento que da un sentido en especial.

LEY DE LA SIMPLICIDAD

Todo permanece constante, la persona percibe en un orden como si estuviera organizado en figuras simples y regulares. Es decir se toma mucho en cuenta simetría, regularidad y uniformidad.

LEY DEL CERRAMIENTO

Nuestro cerebro desde que somos pequeños y a medida que vamos creciendo tiende a completar imágenes, palabras, frases, señales, signos, cuando estos no están cerrados por completo, hay un factor de desagrupación y nuestra mente lo interpreta automáticamente para completarlo. Por supuesto dentro de esta ley está como norma completar las formas o figuras que no han sido cerrada, completadas. Las formas abiertas o inconclusas provocan incomodidad y por lo que existe una tendencia a completar con la imaginación aquello que falta.

LEY DEL DESTINO

Son elementos, objetos o formas que son ordenados para que organizados y relacionados entre sí vayan hacia una misma dirección. Por su orden y acomodo de  elementos dentro de un recuadro sean capaces de dar la pauta al espectador para llegar al lugar y destino al que la imagen te quiere llevar.

LEY DE LA SIMETRÍA

Se acompone de estructuras simétricas que se aplican sobre un plano vertical en dirección de izquierda  a derecha. Diferentes puntosque de igual manera dirigen tu mirada pero sin romper la línea y dirección.

Paisaje

EL ARTE POP

(ver la realidad desde una visión más divertida y llamativa)

El arte pop como definición un poco más teórica vendría a ser un movimiento artístistico que ocupó lugar en siglo XX. Se caracterizaba por el uso de imágenes dentro de una cultura popular pero en fin, el arte pop puede llegar a tener el significado que uno mismo le quiera dar pero ciertamente se rige a normas generales que lo caracterizan y lo clasifican como un tipo de arte en específico, una rama del arte.  

Basándome en información del libro “Pop Art, Tilman Osterwold de la editorial Taschen” y en libro de Marcel Duchamp y el pop art, una revaloración de las vanguardias europeas en el arte norteamericano, 1987. El arte pop enfatiza la dimensión comercial del arte, la forma en que se cómo el mundo del arte, que debería expresar libertad, está también sometido a leyes de la oferta y la demanda, lo que influye directamente en mayor parte a su valor económico. Se opone a la alta y cultura y a la cultura de masas , dándole mayor importancia y rol al espectador y al consumidor. El arte Pop tiene como objetivo llegar a un segmento identificado, como antes mencionado, es capaz de acoplarse a cualquier sociedad, pero su público es de carácter amplio, el que logra identificarse con sus obras y compartiendo su filosofía estando en contra de corrientes como el modernismo. Busca distanciarse de los principios  que predominan en el campo artístico en contra de toda norma establecida, haciendo respetar sus raíces cuando la filosofía nace como una crítica a la burguesía.

Este arte logró expandirse a nivel mundial, en todos los continentes, países, culturas adaptándose a cada pensamiento, idea, conocimiento o tradición que se lo permitiera. Dentro de esta tendencia se conocen varios y algunos principales autores y actores dentro de la obra del arte pop.

 Entre ellos comenzamos por Arthur Danto, crítico del arte y profesor de fiosofía en Estados Unidos. Antes de convertirse en uno de los más importantes e influyentes del ámbito estética artístico contemporáneo aportó en gran parte a la filosofía de la historia, a la filosofía de la acción y a la filosofía del conocimiento. Lo que principalmente resalta y marca Dalto es la muerte del arte dentro de un contexto de belleza, a la vez el fin de un fetichismo y todo lo que de alguna manera simbolice lo “perfecto” “nítido” o “hermoso”.

El arte pop le da lugar a la incorporación de elementos cotidianos, revistas, comics, periódiódicos, fotografías y cine que nunca antes habían pertenecido al círculo lo que provocó en el arte postmoderno un fenómeno radical, la confusión entre arte y realidad, una transfiguración de objetos que se encuentran en nuestro uso cotidiano, abrió puerta a nuevas percepciones de nuevas manifestaciones artísticas.

Antes del arte pop, está el Dadaismo en 1960 en Zurich. El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento opuesto a lo considerado normal artisticamente, opuesto a lo literario y poético. Se presenta además de como una ideología como una forma de vivir, un rechazo absoluto a cualquier tradición o esquema que haya sido planteado anteriormente. ROMPER ESQUEMAS, EMPEZAR DE NUEVO. 

Se opone a la belleza eterna, a la eternidad de los principios, a las leyes de la lógica,  la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Lo que promueven es un cambio en cuanto a encontrar la libertad del individuo, su espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, refiriéndose a que preferirán el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección. El Dadaísmo usaba el arte como un medio para criticar la cultura y la sociedad de su época. Esta corriente atacaba directamente al capitalismo y la burguesía, a diferencia del arte pop que era un claro reflejo de consumismo capitalismo. Se oponía  a la estabilidad económica, social y artística, lo que nos revela el fuerte activismo político que existió en las vanguardias europeas.

Danto hace asociación con la aparición del Pop Art y en concreto con la Brillo  Box de Andy Warhol, que se trataba sobre la apropiación de un artefacto de uso cotidiano y su  distinta forma de exhibición como una obra de arte. Esta trasposición implicó que el arte dejara de tener un lugar exclusivo y ahora es posible encontrarlo en todo lo que está a nuestro alrededor.

El Arte Pop apela a un estilo y a la vez calidad de vida que busca sostenerse en una estabilidad económica dentro de cualquiera sea la clase y el nivel socio económico, pues intentaba ser incluyente y accesible para cualquier persona. Danto aporta que el éxito de Warhol se debió a lo extremadamente sencillo de sus representaciones, lo que responde a la fama de los íconos e imágenes que retomaba de la cultura popular norteamericana, todos los elementos de la cotidianidad.

Andy Warhol, artista plástico y cineasta e ilustrador estadounidense de Pittsburg, criado en la capital de consumismo, Nueva York en 1928 por lo que resultó ser de gran influencia para su posterior temática artística. Estuvo involucrado en todo lo que tenía que ver con la pintura, cine de vanguardia y literatura utilizando como enlace y valor a sus obras a artistas, intelectuales, modelos, celebridades temáticas tabús, como la homosexualidad, drogas, revolución. Muy conocido por involucrarse en el diseño de la publicidad por el poder de transmisión de mensaje de sus imágenes utilizando todos los elementos simbólicos y semánticos para que su construcción sea de reacción positiva en el espectador. Por eso después de haber estudiado también arte comercial el 1963 es cuando crece su capacidad mercadóloga junto con ilustraciones de revistas, dibujos de galería, modelos, pinturas, marcas y celebridades.

CARACTERÍSTICAS DEL ARTE POP

·        El lugar que ocupa la cotidianidad

·        El color

·        La ambigüedad y alteración del contexto para producir un efecto nuevo en el espectador

·        La oposición entre la presentación de un objeto y su representación

·        La relación entre el proceso creativo y productivo

·        El abandono de la belleza.

·     El Pop Art tomó la apariencia como su tema central, por lo que sus paradigmas fueron la televisión, la publicidad, la farándula y el glamur. Esto revela en gran medida que la sociedad norteamericana se preocupaba por tener una vida lujosa y en busca de escándalos de personalidades de la época en ese entonces como Elvis Presley, Marilyn Monroe o Che Guevara...

El color juega un papel sumamente importante dentro de esta corriente artística, de hecho es uno de los elementos que no podríamos olvidar cuando pensamos acerca del Arte Pop, enseguido se nos inunda la cabeza con una combinación loca y llena de colores que todos aportan algo en especial a la construcción de determinado mensaje. En el arte pop los colores son más puros y brillantes que nunca, son fluorecentes y muy llamativos, esto aporta mucho a la industria del consumo. Todos los colores se elevan a una escala más alta, que logre brindar la sensación de vida, de espesor, entretenimiento, poder visual, comunicación, influencia, manipulación.

 Los colores son indispensables para la comunicación, cada uno nos brinda y sensación y emoción distinta dependiendo del juego y significado que se les da. Existe el uso de las sombras, en distintas imágenes. En el arte pop tanto los colores como la formas tienen el significado específico de por qué y cómo se mezclan entre sí.  Las formas, figuras y colores son más psicodélicos, prendidos y espesos en todo su sentido. Debe pesar para ocupar un lugar en la mente humana por más tiempo que los segundos en los que se capta la imagen.

Presentación y representación de un objeto en otro ámbito de cotidianidad y lógica  que no sea en el que suele estar dentro de toda nuestra percepción y concepción. Esto hace que se despierten una serie de paradojas que ponen en duda los principios que habían regido en el arte. Para lograr este efecto alteraba alguna de sus partes, destruyéndolos, cortándolos, pegándolos y mezclándolos. Otra de sus técnicas era simplemente cambiar un objeto de posición, su color, probablemente una leve distorsión que nos lo haga ver como algo fuera de su estado práctico y solido, es decir que lo veámonos de otra manera que su sentido original, otra percepción del mimo, otras realidades pero partiendo de una mismo referencia.

Duchamp hace uso de la ambigüedad y manipula el contexto con la intención de replantear el estatuto del arte y cuestionar todo sobre el mismo. En cambio, Andy Warhol emplea esta misma técnica pero con una finalidad muy distinta que busca reivindicar la cotidianidad como parte de la círculo artístico y ampliar la dimensión estética en donde no existía, o al menos en sitios donde no había sido considerada.

El arte pop, tomando como ejemplo a Andy Warhol, esta también se familiariza mucho con la repetición, en una gran variedad de niveles. La repetición en las obras hacen referencia al hecho de retomar un elemento de la vida cotidiana y representarlo tal cual en otro sentido, también hace alusión al aumento de proporción, el tamaño genera un mayor impacto en el espectador, así como el fin del arte pop, la repetición de todo el proceso de una experiencia intensificada y mucha más fortaleza al mensaje y rasgo de cada imagen. Sus formas y figuras a escala natural y ampliada, Iconografía estilizante, principalmente formas planas y volumen esquemático. La repetición y multiplicación de los productos creados en masa genera en el espectador una intensa experiencia visual. Lo abundante, lo lleno, lo amplio le da una sensación de satisfacción, de espacios llenados, no cabe la melancolía tan solo vida, las cosas que hacemos a diario, una y otra vez, los hábitos que acostumbramos llevar en cada rutina o acción, busca captar esa serie de sucesos que nos rodean y a veces parecen insignificantes, esta corriente los visibiliza, los innova y los aprovecha lógicamente. 

La repetición y producción masiva predominó y pudo apreciarse en las técnicas que utilizaba para crear sus pinturas y con la repetición jugaba con productos de marcas reconocidas, retratos de personajes famosos.

Es  importante el tratamiento pictórico que se da forma no tradicional, el lenguaje es figurativo, es decir representa la realidad de los objetos pero ya no como tal, sino que ahora no se queda tan solo con sus cualidades tradicionales, lo que hace es combinar sus cualidades abstractas y de alguna manera lograr hacerlo entendible.

Temáticas de Preferencia por las referencias al status social, la fama, la violencia y los desastres, la sexualidad, el erotismo, los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo, el capitalismo.  

Manipulación de los objetos, el empleo de una diversidad de materiales y el juego con las normas ya establecidas, abre puerta a una nueva experimentación artística. David Hopkins apunta que el arte fue dejando de centrarse en el objeto para enfocarse en el concepto, en la transformación de este en un sentido coherente y creativo a su vez, eliminando su escencia original para darle una más atractiva, características más llamativas, no quiere decir “belleza”, sino “impresionante”.

El abandono de la belleza es un factor importante porque el arte pop se caracteriza por su rechazo explícito a la belleza, a pesar de poseer y normas  estéticas. Warhol buscaba ampliar los límites de la belleza, encontrando sentido en cualquier tipo de objeto y en cualquier experiencia cotidiana. En cambio Duchamp, artista francés muestra otra actitud, pues no se propone revelar la belleza de los objetos como sea cuales de estos fueran seleccionados, sino que más bien trataba de neutralizarla. Por esta razón es dicho que su actitud se opone a lo artístico entonces se opone a la estética, lo que de ningún modo puede equipararse con la obra de Warhol.

Retomando un poco sobre la apreciación de Danto frente al Arte Pop, nos hace pasar de la función utilitaria de un artefacto de uso cotidiano a una dimensión estética, por lo que llama nuestra atención sobre un aspecto en especial de este objeto que sorprendentemente no es necesario que tenga algo que ver con su uso práctico sino que brinda la oportunidad de tener una nueva experiencia sobre el mismo.

El Arte Pop retomó el modelo de la producción en serie y la industrialización, comercialización, un mercado que se relaciona con desarrollo en grandes ciudades como Londres y Nueva York. Su tema central fue el urbanismo y la mayoría de sus representantes hicieron de la técnica una pauta  de producción artística masiva. Al convertirse Andy Warhol en un hombre máquina, funda su propio estudio como la Factory. Estudio integrado por artistas, escritores, pintores, músicos, modelos y celebridades. Entre Andy Warhol y asistentes empleados y amigos forman un modelo de colaboración entre sí que tiene manera que ver con la creación de obras de arte de alto nivel. De esta fusionando ideas, técnicas aun así conservando una muy original y esencial, realizan pinturas, productos de cine, multimedia, publicidad, escultura, revistas, biografías 

y teatro.

Algunos artistas del arte pop principales son Jean Michel Basquiat, 1960-1988, pintor estadounidense, empezó desde abajo vendiendo postales, tiras cómicas y camisetas decoradas por el mismo. Realizaba y se destacaba mucho en el movimiento del grafitti, escritos, murales y poesía. En sus obras se quejaba de la sociedad , de la rabia que abunda en ella, en cada individuo, y en la simpatía entre las personas de distintas clases sociales. Tenía un estilo similar al de Picasso. En sus obras se destaca el expresionismo Abstracto que es la mezcla entre abstracción y surrealismo. Otro de sus integrantes era George Lee Quiñonez, nacido en 1960, artista y actor que se suma al movimiento grafitti  junto a Kedith Haring y Michel Basquiat, se convierten en los innovadores del “Street Art” pero añadiendo mensajes poéticos a algunas de sus piezas, su temática es el medio ambiente urbano.

“Sí, de tener gusto por objetos cotidianos Y tener dicho gusto es ser como una máquina Sí, pues haces lo mismo todo el tiempo. Lo haces una y otra vez” 
(Marcel Duchamp y el pop art, una revaloración de las vanguardias europeas en el arte norteamericano, 1987.)